دانلود آهنگ جدید

تنبور سازی است که دسته‌ای بلند و کاسه‌ای گلابی شکل دارد و معمولاً از چوب توت ساخته می‌شود.
تنبور یکی از سازهای زهی است که در آن سیم‌ها از روی دسته‌ای بلند و کاسه‌ای عبور کرده‌است
و با ضربه انگشتان به صدا درمی‌آید.
تنبور را بعضی تنبوره نیز گفته اند و معرب این ساز طنبور است،
ولی بهتر است با همان املای ایرانی تنبور نوشته شود. ا
مروزه از تنبور می‌توان به ساز محلی با دسته‌ای بلندتر و کاسه‌ای بزرگتر و منحنی تر از سه‌تار
دارای دو یا سه سیم و چهارده پرده که به فاصله اکتاو در ساز پرده‌بندی شده، تعبیر نمود.
ویژگی‌های اجرایی آن در دوتار مشهود نیست.
تنبور را با پنجه می نوازند و این خود دلیلی است بر ارتباط خانوادگی تنبور و دوتار محلی و سه‌تار که آنها نیز با انگشت(ناخن) به صدا در می‌آیند، است.
تنبور ، دارای شخصیتی عرفانی و حماسی است و این ساز برای نواختن قطعات حماسی نیز استفاده می شود.

تنبور را با چهار انگشت دست راست و بدون استفاده از مضراب مصنوعی می‌نوازند
و تکنیک‌های دست چپ آن شبیه دیگر سازهای زهی دسته دار مانند تار و سه تار است
و مضراب‌های اصلی آن عبارتند از انواع مضراب راست، چپ و شُر انواع مضراب ریز، گل‌ریز، غنچه، دوچپ (دوتک) و …

آموزش ساز تنبور

در طول سیر و سفر تاریخی و فرهنگی تنبور در نقاط و نواحی مختلف نامها و شکلهای متفاوتی پیدا کرده است .
به گمان قوی میتوان گفت که اکثر سازهای زهی مضرابی از این ساز کهن مشتق شده و کمال یافته اند
و به عنوان مادر سازهای زهی مانند : تار ، سه تار ، عود ، دوتار ، گیتار ، ماندولین ، دیوان و …. شناخته شده است
و در کرمانشاه و کردستان ایران رایج است و زینت مجالس عرفانی و محافل روحانی است .

انواع تنبور به اسامی زیر خوانده شده:

تنبور قوچانی ، شروانی ، بغدادی ، تیسفونی و انواع دو تار ، چگور ، قپوز و ….
با شکلهای مشابه هنوز در بیشتر مناطق ایران حضور دارد .
و آنگونه که در فرهنگنامه ها آمده در ایران باستان مصر و آشور این ساز وجود داشته
در آشور آنرا پاندورا میخواندند و این ساز دارای سه سیم بوده است
و یونانیان تنبور را بصورت فاندورا اقتباس کرده و سپس بصورت پاندورا وارد زبان و منطقه اروپایی گردیده است .

کاسه تنبوربیضی شکل و دسته ای نسبتا بلند دارد .
دارای 13 الی 14 و حداکثر 15 دستان – پرده- بوده و فواصل آن نزدیک به پرده و نیم پرده است
و برخلاف سازهای موسیقی سنتی در این ساز ربع پرده وجود ندارد و این نشانگر اصالت و دست نخوردگی آن است .

آموزشگاه موسیقی

تنبورسازی است از خانواده آلات موسیقی رشته ای .
آنگاه که این محفظه صوتی به تدریج شکل بیضی پیدا کرده
و اندک اندک یک قسمت از دو قسمت باریک بیضی طویل تر و باریکتر شده
و هنگامی نام بربط یا عود بر آن نهاده شده که دسته ساز اندکی بلندتر شده
و کاسه طنین ساز ، پر حجم تر گشته است در همین عصر است که ساز دیگری آفریده شده است .
بر این ساز نیز در مناطق مختلف گیتی نامهای گوناگون نهاده شده است .
از جمله در ایران آن را تنبور نامیده اند .

فارمر مینویسد : با انتشار دین اسلام به اکناف عالم تاثیر ایران در آلات موسیقی به همه جا رخنه کرد
و حتی در نقاطی هم که اسلام انتشار نیافته بود راه یافت ،
یعنی از طرف مشرق به سواحل اقیانوس اطلس و از شمال به سیبری و از جنوب به هندوستان و جزایر شرقی هند نفوذ کرد.
تنبورکه در ممالک مجاور ایران به ” طنبوره ” معروف شد به تدریج به چین رسید و موسوم به ” تنپولا ” گشت.
در یونان آنرا” تام پوراس ” نامیدند.
از یونان به آلبانی رفت و آنرا ” تامورا ” خواندند .
در روسیه آنرا ” دومبرا ” ، در سیبری و مغولستان ” دومبره یا دمبوره ” نام نهادند
و در بیزلنس معروف شد به ” پاندورا ” .
سایر اقوام اروپایی توسط بیزانس با این ساز آشنا شدند .
این ساز در ترکیه و هندوستان رواج یافت .

در میان مردم چین باستان نوعی سازدهنی با زبانه‌ های چوبی مورد استفاده بوده است و موتسارت نیز قطعه ‏ای برای سازدهنی نوشت،
و این ها همگی بر پیشینه ی طولانی این ساز دلالت دارد.
اما سازدهنی که ما هم‌ اکنون می ‏شناسیم، در اوایل قرن نوزدهم و در آلمان ساخته شده است.

اگر چه زمان دقیقی در مورد اختراع ساز هارمونیکا به ثبت نرسیده
اما می توان کریستین فردریش، نوجوان آلمانی را سازنده اولیه آن نامید
که بعدها این ساز در سال 1826 توسط هم وطن وی جوزف ریشتر دست خوش تغییراتی شد و سپس به سراسر اروپا توسعه یافت.
چندین دهه بعد یک جوان ساعت ساز آلمانی با نام ماتیاس هوهنر دریافت که چه گونه یک هارمونیکای خوب بسازد
و سپس در سال 1957 کارخانه ی اولیه خود را که متشکل از اعضای خانواده اش و تعداد اندکی کارگر بود را راه اندازی کرد.

در سال 1862 وقتی برای نخستین بار محموله ساز دهنی کارخانه Hohner به ایالت متحده رسید به سرعت در ذهن و روح مردم جای گرفت
و این ساز توسط مهاجرین ترک‌ کننده‌ی آلمان، به ایالات متحده و بریتانیا برده شد و تا اواسط قرن نوزدهم، در سراسر جهان نواخته می شد.
در ادامه ساز دهنی کروماتیک، در سال 1918 اختراع شد و از آن جایی که شامل هر دوازده نیم‌ پرده‌ی گام کروماتیک می‌ باشد،
به شما اجازه می‌ دهد که آهنگ کامل تری را بنوازید؛ مانند قطعات جاز و کلاسیک.

آموزشگاه موسیقی

انواع سازدهنی از نظر ساختار

سازدهنی تک زبانه ای (Single Reed)

سازدهنی دو زبانه ای (Double Reed)

سازدهنی بیس و کورد (Bass & Chord)

انواع سازدهنی از نظر نوع صدا

انواع ساز دهنی از حیث صدا در سبک های مختلفی مورد استفاده قرار می گیرند که به اختصار در این جا به آن ها اشاره می کنیم:

Termolo, Diatonic, Chromatic, Bass & Chord

ساز دهنی ترمولو: سبک‌های Pop و Folk
ساز دهنی دیاتونیک: سبک‌های Pop, Folk, Country, Blues و Rock
ساز دهنی کروماتیک: سبک‌های Pop, Folk, Country, Blues, Rock, Classic و Jazz
ساز دهنی بیس و کورد: سبک‌های Pop و Classic البته به صورت گروه نوازی

در مقاله قبل راجب میکس و مسترینگ صحبت کردیم و شما را با تعریف کلی آن آشنا کردیم.
در این مقاله میخواهیم کمی ریز تر به این مساله بپردازیم.

میکس و مسترینگ مربوط به Quality و یا کیفیت نهایی یک موسیقی می شود
که با اجرای درست آن می توان به نتیجه ی مطلوبی دست یافت و کاری حرفه ای ارائه داد.
موسیقی روح را به حرکت وامی دارد و قادر است تأثیرات قوی و متفاوتی بر جای بگذارد، می تواند انسان را آرام و یا هیجان زده کند!
اما چه زمان موسیقی تاثیرگذارتر است
و به غیر از آهنگسازی، هنر نوازندگل، شعر و صدای خواننده چه فاکتورهایی باید ارزیابی شود تا آهنگ با شنونده ارتباط بر قرار کند و حرفی برای گفتن داشته باشد؟

اگر چند اثر موسیقی موفق را مورد بررسی قرار دهیم متوجه خواهیم شد که مواردی در همه ی آنها مشترک است.
این موارد عبارتند از: آهنگسازی، شروع و پایان، ملودی ها و شعر و در نهایت صدابرداری.

یک موسیقی همان طور که به آهنگسازی و ملودی های مناسب و … نیازمند است، به یک صدا برداری خوب نیز نیاز دارد
و باید میکس و مسترینگ یک موسیقی را جدا از بقیه ی اجزای آن و به طور مستقل بررسی کرد.

اما هدف از میکس و مسترینگ چیست و موجب چه تغییراتی در کار خواهد شد؟

1-تقکیک دقیق صداها و مشخص شدن جایگاه هر صدا در کل اثر:
این مرحله جای هر صدا در پروژه را مشخص میکند؛ بهعنوان مثال تعیین کننده ای Volume و Paning ( پخش صدا از باند چپ یا راست) اصوات است به طوری که با بقیه ی صداها تداخل نکند و در آخر نتیجه ای دلنشین و همچنین حرفه ای داشته باشد.
بعد از این مرحله هر صدا جایگاه خود را دارد و به راحتی قابل شنیدن است. اما لازم نیست که تمام صداها که در موسیقی وجود دارد کاملا واضح باشد و می*تواند برای پر کردن قسمتی از کار استفاده شود.

2-قدرت گرفتن صداها:
این مرحله باعث می شود تا صداهای موجود را بهتر تشخیص داده و بشنویم؛
هر صدا یا ساز استفاده شده در آهنگ، در این مرحله حجم بیشتری پیدا کرده و به اصطلاح باعث پر شدن کار میگردد.
به طوری که اگر کل موسیقی خلوت باشد نیز صداها حجیم و پر به نظر خواهد رسید.
این مرحله همچنین برای قوت بخشیدن به ریتم Drum و پرکاشن مناسب است.

3-خذف صداها و فرکانس های اضافه:
در حین انجام میکس و مسترینگ در کار ممکن است متوجه اصوات و فرکانس هایی شویم که وجودشان نه تنها لازم و ضروری نیست،
بلکه زائد و اضافی است که باید از کار حذف شوند .
این مرحله کمک زیادی برای دلنشین شدن اثر و از بین رفتن صداهای گوش خراش میکند.

آموزشگاه موسیقی

4-واقعی تر شدن صداهای موجود:
ممکن است در یک آهنگ صداهای به کار برده شده خام به نظر بیایند و حس دلخواه را به شنونده القا نکنند،
بنابراین این مرحله موجب پخته شدن، حجیم شدن و واقعی تر شدن اصوات میگردد و صداهای محو به صورت شفاف ظاهر خواهند شد.
همچنین این تصور وجود دارد که با اضافه کردن صداها و سازهای مختلف میتوان به آهنگ حجم داد و آن را پر کرد،
اما در واقع این کار اصولی نبوده و موجب شلوغی موسیقی می شود.
موارد ذکر شده در بالا در آهنگهای مختلف دارای تفاوتهایی می باشد،
به عنوان مثال باید به جنس صداها و سازهای به کار رفته توجه کرد و به تنطیم آن پرداخت.

از دیگر عوامل مهم، سبک، ملودی ها و تم کلی کار است که توجه به آن ضروری میباشد.
مثلا اگر در سبک Trance یا House از Kick ضعیف استفاده شود و کار صدا برداری مناسبی نداشته باشد،
صدای استفاده شده به سختی شنیده خواهد شد.
رعایت این موارد می تواند کمک شایانی در تنظیم آهنگ کند و موجب رضایت بیشتر شنونده از کار شود.

میکس در مجموع به سلیقه ی شخص تنظیم کننده برمی گردد
و فرد با استفاده از احساس و خلاقیت خود میتواند اثری زیبا و به یاد ماندنی خلق کند.
زیرا میکس و مسترینگ یکی از مهمترین فاکتورهای تولید یک اثر موسیقی خوب، کامل و حرفهای می باشد که نباید از آن غافل شد.

کسی گفته است ملودی آنچنان چیزی است که تمام موسیقی در خدمت آن است .
تردید نیست که آشناترین و قابل تشخیص ترین عامل موسیقی ، ملودی است .
ملودی یکی از تجربیات اولیه هر کودک است.
بی تردید شما ملودی یکی از آهنگهای انقلاب یا هر آهنگ مشهور دیگری را به یاد می آورید .

ملودی «آهنگی» است که ما ، پس از ترک سالن کنسرت آنرا زمزمه می کنیم.
تمی موسیقائی است که طی یک سنفونی چند بار تکرار می شود.
گوش گیرنده غیر حرفه ای معمولا تنها به ملودی گوش می کند و هرگز به عوامل دیگر توجه ندارد.
او موسیقی را از روی ملودی آن ارزیابی می کند.
موسیقی با ملودی «خوب» درنظر او موسیقی خوبی است و موسیقی با ملودی غیر قابل تشخیص به نظرش اساساً موسیقی نیست.

ملودی یکی از مهمترین وسائل برای بیان ایده موسیقائی است.
آهنگساز اصوات موسیقی را به راهی ترکیب میکند که نه تک تک بلکه به شکلی وحدت یافته شنیده می شوند ؛
وقتی ملودی به منزله جوهر موسیقی به پایان می رسد گونه ای حالت اتمام نیز از آن محسوس است.

آموزشگاه موسیقی

ملودی ، مانند یک جمله مبنی بر دستور زبان یارای آن دارد که بی یاری عوامل دیگر متجلی شود .
اصوات مانند کلمات ، در الگوئی سازمان داده می شوند ، که بتوانند ایده را به تمامی انتقال دهند آنها بدون «سازمان گرفتن» مفهومی ناروشن دارند.
اصوات در ذهن ما خطی را آنچنان که ما در هنر گرافیک می بینیم مجسم می کنند.
خط در واقع موجودیت دارد
و عیناً همانند تابلوی نقاشی پیکاسو که از راه نمایش خط ایده ای را می نمایاند ، خط ملودی نیز ایده ای موسیقائی را معرفی می کند .

ملودی می تواند به هر شکل ، هر اندازه ، و با هر حرکت ساخته شود.
اگر ما اشکال گوناگون ملودی را فرا گیریم بهتر می توانیم خط ملودی را دنبال کنیم.
ما در این کتاب ، شما را راهنمائی می کنیم که به کرات صفحه های موسیقی را ، همراه با مطالعه مطالب ، بشنوید
تا خطوط ملودی ، اشکال آکوردها و تجسم های ریتمیک ، همچنان که در گوش گرفته می شوند «با چشم نیز تجسم یابند».
حتی اگر شما نتوانید خط موسیقی را بخوانید ، کم و بیش از نگاه کردن بر این خط ، در کتابهای نت چاپ شده ، درکی به هم خواهید رساند.

اقباس از کتاب دعوت به شنیدن ، نوشته ریچارد- ل .وینک – لوئز- ج . ویلیامز . برگردان به فارسی : پرویز منصوری

در تنبور نوازی از پنج انگشت هر دست استفاده می شود.

در شیوة معمول نوازندگی ، هر یک از انگشتان دست چپ روی یک خانه ،
چهار انگشت پیاپی روی نیم پرده ،
شست بین انگشت نشان و انگشت بزرگتر می نشیند
و از انگشت شست برای سیمِ بم استفاده می شود.

تنبورنوازی با مهارت ، در نواختن ساز به صورت «افقی » نیست ،
بلکه با نواختن دقیق و ماهرانة آرایه های صوتی ، صدادهی شفاف و سلاست
جملات همراه با آرامش ، و بدون کشش عضلانی و عصبی
و با دستیابی به تمرکز که نوازنده در طی آموزشهای هنری و معنوی به دست آورده ، معنی می شود.

مشخصترین عوامل فنی در اجرا عبارت اند از:
ضرب قوی با چهار انگشت ، شُرِّ طولانی ، شُرِّ ساده و نیز ضربات خاصی که گاه بعضی نوازندگان از مکاتب دیگر موسیقی ایرانی ، مثل دو تارنوازی یا سه تارنوازی ، اخذ می کنند.
در شیوة استاد نورعلی الهی این تأثیرپذیریها از موسیقی اصیل شهری شنیده می شود
ولی در شیوة استادان دیگر، نظیر سیدامراللّه شاه ابراهیمی، سیدخلیل عالی نژاد و علی اکبر مرادی ،
خصوصیات اصلی و قدیمی سنّت تنبورنوازی حتی الامکان حفظ می گردد.
در برخی اجراهای موسیقی شهری ، گروه نوازی تنبور به صورت تک صدا دیده می شود
که جدید و گونه ای بدعت گذاری است
و به هر حال با سنّت اصلی و هنری تنبورنوازی ، که مبتنی بر تک نوازی و بدیهه سرایی خلاق است ، تفاوت و حتی تضاد دارد .

آموزشگاه موسیقی

ضبط مقامهای موسیقی تنبور بیش از سه دهه قدمت ندارد
و بسیاری از «مقامهای مقدّس » تا ابتدای هزارة سوم میلادی حق خروج از خانقاه و ضبط را نداشتند.

مهمترین این صفحه ها عبارت اند از :
مسیر عشق الاهی ، حماسه ای روحانی از استاد الهی ، موسیقی کُردی ایران که بترتیب در 1997، 1998 و 2001 در پاریس ضبط شده اند .

تنبور باستانی مشخصاتی به این ترتیب داشته است :

1_سازی رشته ای

2_نواختن با ناخن یا سه انگشت دست راست

3_در آغاز یک تار یا یک رشته داشته است

4_ تنبور دو نوع بوده یک نوع که پرده یا دستان میبستند و دیگری بدون پرده بوده است

5_ شکل ظاهری آن مانند دو تار ( چگور ) بوده است .

6_بی تردید دارای گوشی و خرک بوده است .

ایا میدانستید موسیقی حتی در دوران پیش از تولد نیز بر خلق و خوی انسان تاثیر دارد؟
مثلا گوش دادن به اپرا منجر به بالا رفتن ضربان قلب جنین میشود.
دلیل این رخداد این است که جنین در محیط سامت و تاریک با شنیدن موسیقی به جنب و جوش می افتد.
از طرف دیگر جنین از هفته شانزدهم میتواند حتی همراه با موسیقی آواز بخواند!
پس از چهار ماهگی واکنش جنین به موسیقی در حدی است که میتوان حرکت های او را هنگام گوش دادن به موسیقی لمس کرد.
از دوران جنینی انسان به موسیقی عکس العمل نشان می دهد.

پس از گذشت 20 هفته از تشکیل نطفه صداهای خارج و موسیقی را جنین میشنود.
تحقیقات به عمل آمده نشان می دهد آن ها می توانند آنچه را که در محیط رحم مادرشان می شنوند،
پس از 12 ماه از تولد به خاطر آورند و در برابر آن واکنش نشان دهند.

دکرت الکساندر لامونت در سخنرانی خود دربار? روانشناسی موسیقی در دانشگاه کله، می گوید:
همیشه فکر می کردم رحم مادر جای بسیار شلوغ و پرتلاطمی است ولی در حقیقت محیطی بسیار ساکت است.
بنابراین کودک باید قادر به شنیدن و احساس کردن صدای اطراف خود در خارج از رحم باشد.
البته قابل ذکر است که منظور از شنیدن، واکنش و تأثیری است که صداها و فرکانس بر روی جنین می گذارد

چه نوع موسیقی

هر نوع موسیقی که خودتان دوست دارید، قابل اجراست و می توانید از آن نیز برای جنین و یا کودک خود استفاده کنید
ولی ترجیحاً آرامش بخش باشد.
لازم به ذکر است فرکانس های بم بهتر می توانند در مایع درون رحم به حرکت درآیند و برای جنین قابل شنیدن باشند.

در آزمایش های انجام شده روی یک خوانند? اپرا به نام کاترین سنگلتن، مشخص شد اپرا، ضربان قلب کودک را تغییر می دهد
و این امر زمانی که تنالیته و ریتم موسیقی عوض می شود، کاملاً محسوس است.
لذا استفاده از موسیقی های کلاسیک به خصوص موسیقی موتسارت تأثیر بسزایی بر کودک و جنین دارد.
یک خواننده پاپ اعتقاد دارد موسیقی را که در زمان بارداری همسرش برای پسرشان اجرا کرده است،
ماه ها بعد از فراغت همسر از زایمان، بر فرزندشان تأثیر گذارده است.

آموزشگاه موسیقی

او می گوید:
قبل از آنکه پسرمان متولد شود، بارها از یک موسیقی مشخص استفاده کردم.
بعدها زمانی که کودکمان 4 ماهه شد، هنگامی که گریه می کرد، با گوش دادن و شنیدن این آهنگ لبخند می زد و ساکت می شد.

دکتر لامونت عقیده دارد؛ اگر در سه ماه آخر بارداری از یک موسیقی مشخص ترجیحاً کلاسیک برای جنین استفاده شود،
او در یک سالگی با شنیدن آن واکنش نشان می دهد و موسیقی را درک می کند.

به عقید? کاترین سنگلتن تأثیر موسیقی که کودک در رحم مادر خود بارها گوش می دهد حتی بیش از 12 ماه است.

او می گوید:
زمانی که در ماه پنجم بارداری خود بودم در حال اجرای قطعه موسیقی ای بودم و فرزندم در تمام این مدت این قطعه را می شنیده است.
هنگامی که کودکم 5 سال داشت بار دیگر این قطعه را اجرا کردم
و او به مدت 3 ساعت بدون آنکه کوچک ترین حرکتی از خود نشان دهد یا خسته شود به این اجرا گوش می داد.

آمریکایی ها بر خلاف سایر مردم جهان که شیفته خودروهای ایتالیایی و آلمانی مطرح هستند خودروهای ساخت آمریکا را ترجیح میدهند.
خودروهایی مانند فورد موستانگ در رده بالاتری خودروهای رویایی آمریکایی ها در سال 2018 قرار دارند.

مطابق تحقیقی که شرکت «گلد ایگل» اجاره ماشین با راننده در شیکاگو، ایالات ایلینویز امریکا انجام داده،
دومین جایگاه مربوط به تسلا مدل S است و پس از آن نوبت به مدل‌های جیپ رنگلر، کوروت و کامارو می‌رسد.

این شرکت تأمین‌کننده قطعات اتومبیل، تعداد 2000 مالک خودرو را در سراسر کشور مورد بررسی قرار داده
و به این نتیجه رسیده که بسیاری از افراد که خود را به عنوان کارشناس در این زمینه معرفی می‌کنند،
موستانگ را به عنوان خودروی رؤیایی‌شان انتخاب می‌کنند.
این در حالی است که در نظر افرادی که خود را با دانش کم در رابطه با اتومبیل‌ها معرفی می‌کنند، تسلا یک خودروی ایده‌آل است.

اجاره ماشین

مدل S خودروی رؤیایی برای نسل هزاره (متولدین سال 2000 میلادی به بعد) است،
امّا مسن‌تر‌های نسل ایکس (معادل نسل متولد دهه 40 و 50 شمسی) کامارو رو انتخاب می‌کنند.
خیل عظیم متولدین دوره انفجار جمعیتی نیز رؤیای یک کوروت را در سر می‌پرورانند.

خانم‌هایی که در این تحقیق شرکت‌ کرده‌اند، با اختلاف زیاد، رنگلر، فورد موستانگ و کامارو را انتخاب کرده‌اند
و این در حالی است که انتخاب‌های اول آقایان به مدل S و کوروت اختصاص دارد.

تعداد زیاد طرفداران تسلا در ساحل غربی و جنوب غربی، عاملی است که بر آمار خودروهای رؤیایی در هر منطقه از کشور امریکا تأثیر گذاشته است.

طرفداران اجاره ماشین بدون راننده فورد موستانگ بیشتر در غرب میانه و جنوب شرق ایالات متحده زندگی می‌کنند.
جالب اینکه که مردم ساکن در ایالت‌های کوهستانی مانند کلرادو، به هیچکدام از خودروهای بالا علاقه‌مند نیستند
و یک رنج‌روور را به عنوان خودروی رؤیایی‌شان ترجیح می‌دهند؛ خودرویی که مسلماً گزینه بدی نیست.